Что для вас поп-арт? Коллажи с изображением Мерилин Монро? Комикс? Или, может быть, обложка The Velvet Underground? В любом случае, это что-то яркое, а изображённый предмет не несёт большой смысловой нагрузки. Но неужели в искусстве поп-арта нет совсем никакого смысла? Давайте разбираться.
Время чтения: 3 минуты
Время чтения: 3 минуты
Рожденный в Британии
Хоть поп-арт и был наиболее популярен в США, он зародился в Лондоне в 1952 году с основания движения Independent Group («Независимая группа») — группы художников, скульпторов, архитекторов и критиков. В неё входили Лоуренс Аллоувэй, Ричард Гамильтон и Эдуардо Паолоцци. В 1954 году Аллоувэй впервые использовал термин «поп» в отношении нового направления.
«Независимая группа» стремилась оспорить модернистские подходы к искусству и смотрела на общество потребления сквозь популярную культуру. Аллоувэй писал: «…кино, научная фантастика, реклама, поп-музыка. Мы не испытываем к массовой культуре неприязни, распространенной среди интеллектуалов. Напротив, мы принимаем её как факт, детально обсуждаем и с энтузиазмом потребляем».
«Независимая группа» стремилась оспорить модернистские подходы к искусству и смотрела на общество потребления сквозь популярную культуру. Аллоувэй писал: «…кино, научная фантастика, реклама, поп-музыка. Мы не испытываем к массовой культуре неприязни, распространенной среди интеллектуалов. Напротив, мы принимаем её как факт, детально обсуждаем и с энтузиазмом потребляем».
Ваш курс, чтобы научиться понимать работы современных авторов:
На первом собрании группы Паолоцци представил коллажи, состоящие из вырезок американских журналов. В работе «Я была игрушкой богатого человека» слово Pop изображено в облаке дыма, вырывающегося из револьвера.
Ещё одна знаковая работа раннего поп-арта — «Так что же делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» Ричарда Гамильтона 1956 года.
Ещё одна знаковая работа раннего поп-арта — «Так что же делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» Ричарда Гамильтона 1956 года.
Америка. Поп-арт против абстрактного экспрессионизма
В 50-х годах абстрактный экспрессионизм во главе с Джексоном Поллоком завоевал статус главного течения современного искусства в Америке. И оно было «не для всех». Эмоциональное, погружающее зрителей в тёмные уголки сознания и объявляющее каждого, кто его не понял, недостаточно образованным человеком.
Американские художники поп-арта хотели снова поставить образ во главе построения композиции. А образов в их современности было предостаточно. Процветала культура потребления, и американская мечта теперь была доступна обывателю в виде цветастой упаковки стирального порошка или новенькой машины. Реклама сделала логотипы компаний известными, и каждый, кто пользовался популярным продуктом, имел возможность «разделить» его мировую славу.
Американские художники поп-арта хотели снова поставить образ во главе построения композиции. А образов в их современности было предостаточно. Процветала культура потребления, и американская мечта теперь была доступна обывателю в виде цветастой упаковки стирального порошка или новенькой машины. Реклама сделала логотипы компаний известными, и каждый, кто пользовался популярным продуктом, имел возможность «разделить» его мировую славу.
Комиксы Лихтенштейна
Одной из задач художников поп-арта было размытие границ между массовым искусством и элитарным. При всём своём разнообразии, комиксы считались развлечением, «книжками с картинками», а не серьёзным произведением. Образы — утрированные, цвета — яркие, реплики — короткие. Рой Лихтенштейн перенёс страницы комиксов на холсты, превратив их в полноценные картины.
В работе «Блам!» Лихтенштейн позаимствовал сюжет комикса All American Men of War. Почерк художника также легко узнать в образах плачущих девушек («Плачущая девушка») и брутальных мужчин («В машине»). Он вручную рисовал свои картины, используя трафареты.
В работе «Блам!» Лихтенштейн позаимствовал сюжет комикса All American Men of War. Почерк художника также легко узнать в образах плачущих девушек («Плачущая девушка») и брутальных мужчин («В машине»). Он вручную рисовал свои картины, используя трафареты.
«Эти картины должны выглядеть, как фальшивка, и, думаю, мне это удается. Мне кажется, я не просто перерисовываю комиксы, а привношу что-то новое и в результате создаю произведение искусства» — говорил Лихтенштейн.
Энди Уорхол и культ банок и бутылок
Энди Уорхол — одна из самых загадочных и ярких фигур в современном искусстве. Его картины подписывала его мама, многие работы делались коллективно, а сам он мог отправить вместо себя на вечеринку другого человека так, что никто этого не замечал.
Что объединяет президента, бездомного и кинозвезду? Они пьют Колу, доступную каждому американцу. Перед нами «Кока Кола» Уорхола — пять стеклянных бутылок. Они — символ массовой культуры, объединения, демократии. А фирменные уорхоловские коллажи из повторений продуктов напоминают производственный конвейер, на котором все товары равны — по виду, массе, содержимому, по назначению.
Что объединяет президента, бездомного и кинозвезду? Они пьют Колу, доступную каждому американцу. Перед нами «Кока Кола» Уорхола — пять стеклянных бутылок. Они — символ массовой культуры, объединения, демократии. А фирменные уорхоловские коллажи из повторений продуктов напоминают производственный конвейер, на котором все товары равны — по виду, массе, содержимому, по назначению.
Уорхол рисовал этикетки и банки, одноразовые предметы, которые в реальности выбрасываются после использования, но образ, стоящий за ними, оставался в вечности. Такой образ был не только у продуктов, но и у звёзд того времени. Так, «Диптих Мэрилин» никак нельзя отнести к самой личности Мэрилин Монро. Уорхол скорее запечатляет бренд, за которым скрывается живой человек.
Из картин, на которых изображены банки Campbell's определенно выделяется серия из шести картин, с надорванными этикетками. Оказывается, что за ними прячется обыкновенная серая банка. Выглядит это неожиданно, так как до этого мы видели лишь идеальные нетронутые предметы. Значит ли это, что за яркой оберткой скрывается всего лишь серая реальность? Или может этим Уорхол подчеркивает, что содержимое всегда остается одинаковым, вне зависимости от внешнего вида?
Флаги Джаспера Джонса
Джаспер Джонс считал, что картина — не отражение реальности, а объект, который создаёт собственную реальность. Джонс выбирал в качестве таких объектов вывески, буквы и флаги. Он применял технику энкаустики, в которой краски смешиваются с расплавленным воском, и часто комбинировал её с коллажами из вырезок.
На картине «Флаг» Джонс изобразил государственный флаг США. Картина вызвала множество споров о том, является ли это государственным символом. Некоторые считали это высказыванием против полиции и даже против Америки. Сам художник отрицал нелюбовь к своей стране и рассказывал, что флаг ему просто приснился. «Флаг» был продан за 36 млн долларов в 2014 году.
На картине «Флаг» Джонс изобразил государственный флаг США. Картина вызвала множество споров о том, является ли это государственным символом. Некоторые считали это высказыванием против полиции и даже против Америки. Сам художник отрицал нелюбовь к своей стране и рассказывал, что флаг ему просто приснился. «Флаг» был продан за 36 млн долларов в 2014 году.
Скульптуры Класа Ольденбурга
Скульптор Клас Ольденбург также является классиком поп-арта. Он наиболее известен как создатель гигантских скульптур обыденных предметов. Его огромные творения: мороженое, кегли, огрызок яблока или иголка с торчащей из неё красно-жёлто-зелёной ниткой, воткнутая перед железнодорожным вокзалом Милана.
Работы Ольденбурга в своей простоте и обыденности не лишены иронии и чувства юмора, а изображение предметов в столь гигантских масштабах в городской среде заставляет посмотреть на них совсем под иным углом.
Работы Ольденбурга в своей простоте и обыденности не лишены иронии и чувства юмора, а изображение предметов в столь гигантских масштабах в городской среде заставляет посмотреть на них совсем под иным углом.
Всё еще актуален
Парадоксально, но, воспевая простоту и массовость, поп-арт стал по-настоящему интеллектуальным искусством XX века со своей философией. Он изменил взгляд на искусство, не только расширив горизонты для художников, но и став доступнее для массового зрителя, не потеряв своей наполненности и увлекательности.
Это настолько яркое и культовое направление, что его знаковые работы до сих пор можно увидеть в городской скульптуре, дизайне одежды, украшениях интерьера и даже обработке фото, а произведения его художников все еще высоко ценятся среди любителей искусства.
Понравилась статья?
Читайте ещё об искусстве здесь.
Это настолько яркое и культовое направление, что его знаковые работы до сих пор можно увидеть в городской скульптуре, дизайне одежды, украшениях интерьера и даже обработке фото, а произведения его художников все еще высоко ценятся среди любителей искусства.
Понравилась статья?
Читайте ещё об искусстве здесь.
Всё самое интересное о том, как создаются выставки современного искусства и зачем на них ходить, узнайте из подкаста нашего проекта, записанного совместно с «Манежем»:
