Караваджо — художник, изменивший весь мир искусства. Он поразил зрителей своим стилем и показал, что отходить от существующих стандартов не только можно, но и нужно — ведь только так искусство развивается. Узнайте больше о художнике в этой статье.
Время чтения: 7 минут
История
Микеланджело Меризи да Караваджо родился в городе недалеко от Милана в 1571 году. Прожив всего 39 лет, он буквально поделил историю искусств на «до» и «после». Сохранилось порядка 80 работ Караваджо: при одном взгляде на них становится ясно, что перед нами один из самых оригинальных, самобытных мастеров. Некоторые считают его первым современным художником. Однако я не разделяю данное утверждение.
По моему мнению, современное искусство начинается с того момента, когда, говоря языком структуралистов, означаемое теряет связь с означающим. То есть когда, глядя на работу, не сразу понимаешь, что именно изображено и что хотел сказать автор. Такая тенденция к стиранию связи между нарисованным и его смыслом начинается уже с голландского натюрморта. Она продолжается в XVII веке, когда художники как будто бы свободной кистью намечают, но не заканчивают некоторые детали. Контуры рисунка теряют чёткость. Порой отдельные части тела — пальцы или кисти рук — просто не прорисованы, а лица изображаются в виде пятен. Так художники постепенно начинают осуществлять переход от чёткого и подробного рисунка к более размытому. Мы можем увидеть это в некоторых работах Ф. Гойи, Э. Мунка, Э. Мане. В случае с Караваджо ситуация иная. Он довольно чётко прорисовывает каждую деталь и смысл происходящего на его полотнах нам ясен. В чём же его оригинальность и почему его считают первым современным художником?
Начните зарабатывать на хобби, анализируя искусство, на нашем курсе «Искусствовед». Для всех, кто хочет кардинально изменить свою жизнь, мы сделали промокод JOURNAL со скидкой 50% на все профессиональные курсы. Он будет действовать до 30 сентября включительно.
Время Караваджо
Для начала представим себе контекст, в котором восемнадцатилетний Караваджо появляется на художественной арене Рима. В конце XVI века заканчивается эпоха великих гениев Высокого Возрождения: Леонардо, Рафаэля, Микеланджело, Тициана. Эстетика, созданная этими мастерами, была тогда доминирующей в западном искусстве. Но они умерли, и их ученики тоже. Многие художники того времени продолжали работать в их стиле, фактически не привнося ничего принципиально нового, а порой просто перерисовывая творения знаменитых мастеров. Возникает барокко, которое, помимо служения контрреформации, является также реакцией на маньеризм в искусстве конца XVI века.
Двумя основными противоборствующими силами внутри барокко были, с одной стороны, братья Караччи, с другой — Караваджо. Обе стороны были согласны с тем, что маньеризм себя изжил и что нужно возвращаться к реальной природе. Их разногласия касались того, каким образом это сделать. Караччи и созданная ими Болонская школа стремились к гармонии, к реалистичной, но идеальной красоте. Их ученики — Доменикино, Альбани, Гвидо Рени — продолжали работать в возрожденческом стиле, фактически не привнося ничего принципиально нового, но открывая путь академическому искусству. Правильные с точки зрения академических канонов работы были словно лишены души. Они не трогали зрителя.
Караваджо, в свою очередь, демонстрирует грубый, откровенно скандальный реализм, но вместе с тем он — искренний и не виданный ранее в живописи. Сначала практически никто не понимает и не принимает его творчества. Даже великий современник Николя Пуссен не смог разглядеть гения Караваджо, сказав, что тот пришёл, «чтобы разрушить живопись». Такое отторжение и непонимание происходило не только от неприятия обществом выбора моделей Караваджо, которые были представителями самых низких слоёв, но и от непонимания его приёмов и художественного ви́дения в целом.
Развитие стиля
Выйдя из мастерской Симоне Петерцано, Караваджо, вопреки традиции, сразу уезжает в Рим. Предполагалось, что он некоторое время будет работать в мастерской и выполнять заказы, как это было принято. Однако художник предпочитает жить в нищете, но сохранить творческую независимость.
В поисках себя он кое-что заимствует у различных стилей. В его картинах есть черты маньеризма («Отдых на пути в Египет» 1596 года), экспрессионизма («Юдифь и Олоферн» 1599 года) и даже классического академизма («Медитация Святого Франциска» 1603 года). Караваджо довольно быстро развивает собственный стиль, позднее названный в его честь. Многие творят в этом стиле; он вдохновляет таких великих мастеров как Рубенс, Рембрандт, Веласкес, Рибера и др.
Современники Караваджо считают его грубым, а персонажей — вульгарными и даже шокирующими. В религиозных картинах зрители не находят привычного религиозного содержания. Например, в работе «Отдых на пути в Египет» 1596 года ангел стоит перед Иосифом с обнажёнными гениталиями и огромными чёрными крыльями. Так не принято изображать ангелов. На его ранней работе «Мальчик, играющий на лютне» 1593 года, представлен молодой человек с жирными, тёмными волосами и взглядом, в котором нет ничего поэтически одухотворённого. Зрители той эпохи привыкли к элегантным, героически-возвышенным светловолосым персонажам с благородными кудрями.
Видение Караваджо было весьма необычно и провокационно. И в этом смысле можно сказать, что Караваджо действительно создаёт принципиально новый, современный тип полотен. Но я не считаю, что это определяет современное искусство. Это скорее особенность Караваджо, его необычное отношение к граням между реальной жизнью и искусством, ощущению вечного и сиюминутного, бренности бытия. За откровенную искренность его полотен художника причисляют к основоположникам натурализма в европейской живописи XVII века. А что касается провокации и удивления, то это яркая черта барокко.
Особенности творчества
Мне хотелось бы отметить другие особенности, присущие Караваджо. Лично меня поражает динамика его картин, ощущение в них развития, движения, ритма. Караваджо словно не ставит точку, и его произведения продолжают самостоятельно развиваться и жить в воображении зрителя. Как если бы на следующий день, придя в музей и глядя на те же картины, мы бы заметили произошедшие за ночь изменения: фрукты продолжают зреть и покрываться червоточинами. Лёгкая пенка на поверхности вина постепенно исчезает, отчего цвет меняется, становясь более красным. Нарцисс рассматривает своё отражение, которое уже превратилось в зрелого художника и несомненно будет продолжать меняться. Юдифь должна приложить ещё усилие, чтобы голова Олоферна окончательно отделилась от тела. И мы словно видим, как служанка трясущимися руками упаковывает в мешок жуткую ношу. В этом смысле живопись Караваджо кинематографична. Пространство картины открывается перед нами кадр за кадром.
Французский философ Жиль Делёз считал, что кино происходит от зрителя. Последовательность 24 кадров в секунду создаёт иллюзию движения, в то время как каждый кадр сам по себе неподвижен. Зритель создаёт движение. Таким образом, роль зрителя центральна. По этой же аналогии роль зрителя в творчестве Караваджо также первостепенна, поскольку художник обращается к нам через картины. Мы чувствуем, как погружаемся в мир полотен Караваджо.
Его композиции довольно просты: Караваджо рисует фигуры в натуральную величину и убирает передний план, что помогает стереть грань между зрителем и миром на картине. В этом и есть новизна и особенность гения Караваджо. Вот что о нём говорил французский искусствовед Арно Брехон де Лавернье: «Сила живописи семнадцатого века заключается в примирении искусства и жизни. Мы не «входим» в картину Рафаэля, но мы входим в картину Караваджо».
«Распятие Святого Петра»
Караваджо — художник движения и времени. Ему удаётся создать движение различными приемами. Например, знаменитая техника светотени помогает ему моделировать форму и выстраивать настоящую драматургию. Особое расположение складок одежды тоже дает ощущение динамики. Движение также создается при помощи необычной компоновки его картин.
На знаменитом «Распятии Святого Петра» 1601 года в сдавленном пространстве три палача с силой пытаются поднять вверх огромный крест с пригвождённым Петром. Мы наблюдаем эту тяжёлую, поражающую своей реалистичностью сцену, развивающуюся буквально за секунду до момента, когда Петр окажется на кресте вниз головой. В таком положении изображали распятие Святого апостола почти все художники, но не Караваджо. Он же показывает крест под наклоном и словно предлагает зрителю самостоятельно додумать эти последние секунды, натянуть верёвку, поставить крест на землю и, таким образом, завершить движение в своём воображении. Ему удаётся передать процесс, и это безусловно одно из значительных художественных открытий Караваджо.
Психологизм в живописи
Караваджо внёс массу нового не только в техническом плане, но и на уровне психологизма в живописи. Он разрушил связь эстетического и этического, то, что было свойственно идеалам искусства Древней Греции. Разрушил связь прекрасного и хорошего, красивого и доброго. Вероятно, он считал, что нравственная красота человека не обязательно должна подчёркиваться его чистым, идеальным телом и одеждой.
Он писал много жанровых сцен: концерты, цыганки, трактирные сцены, при этом обращал особое внимание на выражение лиц персонажей, их жесты и взгляды. Человек у Караваджо — это реальная личность со своим темпераментом и физическими недостатками. Это отражено не только в жанровых, но и в религиозных работах мастера. Его религиозные сюжеты погружены в повседневную жизнь и абсолютно реалистичны. Библейские персонажи не идеализированы, как в эпоху Возрождения, а нарисованы как простые люди, зачастую грязные и в лохмотьях. Караваджо делает живопись ближе к человеку, чтобы она вызывала в нём больше сильных эмоций: из-за этого некоторые зрители боятся смотреть на его работы, находя их реальными и как бы живыми, происходящими на наших глазах.
Наследие мастера
Микеланджело Меризи да Караваджо не имел ни школы, ни учеников, но он оставил следующим поколениям важнейшее художественное наследие. Он не только порвал с художественными тенденциями своего времени, но прежде всего позволил искусству взять новое направление. Если Джотто и Мазаччо сдвинули готические черты живописи в сторону Возрождения, то Караваджо изобрёл совершенно новый живописный язык и правила, которые сначала послужили основой для барочной живописи, а затем вдохновили все последующие поколения, желающие изображать истину такой, какой мы её видим, без компромиссов.
Что касается нашей темы, то следует дождаться конца XIX века: начиная с П. Сезанна, Э. Мане, К. Малевича можно говорить о рождении современного искусства. Оно, в свою очередь, предложит новый, радикально иной язык.
Эта статья написана Юлией Колиньи, студенткой нашего профессионального курса «Искусствовед».
Освойте университетскую программу, получите официальный диплом и станьте частью нашего комьюнити единомышленников.
