Современная японская живопись — сосредоточение традиционных и западноевропейских стилей и направлений. Художники отражают в картинах японскую культуру и эстетику, одновременно восхваляя и переосмысливая их в контексте современности. Об особенностях этого вида искусства рассказываем в статье.
Зарождение
Появление современной японской живописи датируется концом XIX века. В этот период Япония устанавливает контакты с западными странами и претерпевает культурное влияние иностранных государств. В это время в стране соседствовали два крупных направления изобразительного искусства: Ёга и Нихонга.
«Ёга» в переводе означает «западный стиль живописи». Художники обращались к импрессионизму и использовали непривычные для традиционной японской живописи материалы — масляные краски, акварель, пастель и др. Работы в этом стиле отличает стремление к натуралистичности, а темы и мотивы часто вдохновлены повседневной жизнью. Нихонга — противовес западным веяниям в японской живописи. Последователи движения не отрицали современность и перенимали художественные новшества, например, работу с перспективой, для обогащения традиционного стиля. Основные материалы — бумага васи, шелк, чернила и натуральные пигменты.
Развитие
Еще более заметные изменения происходят в японском изобразительном искусстве после окончания Второй мировой войны. Послевоенное искусство Японии — зеркало общественных реакций на общественно-политические события, технологический прогресс и попытки понять, как существовать в новом мире. Живопись становится способом самовыражения и эмоциональной перезагрузки, а художники со схожими взглядами объединяются в арт-группировки.
«Дискуссионная группа современного искусства», или «Гэнби» (1952), основанная авангардистом Дзиро Ёсихара, оказывается одной из первых площадок свободного обсуждения живописи вне зависимости от направлений, в которых работали его участники. Художники экспериментировали с формой и смешением в своих работах различных стилей.
«Гутай» (1954) — одна из самых влиятельных художественных ассоциаций послевоенной Японии, которой также руководил Дзиро Ёсихара. Участники движения использовали инновационные методы, выходя за рамки абстракции в творчестве. Это иллюстрирует знаменитая картина «Bottle Crash» Сёдзо Симамото, при создании которой он разбивал бутылки с краской о камень, лежащий на холсте. Движение Гутай повлияло на последующие поколения художников и стало основой для формирования перформативного искусства.
«Кюсю-ха» (1957) — радикальная арт-группа, выступающая против идеи «вечного искусства». Резкое экономическое развитие страны, контрастирующее с бедностью в регионах толкало художников на переосмысление творческого процесса. Художники этого направления использовали в работах подручные материалы вроде асфальта или деталей от старых механизмов.
«Моно-ха», или «школа вещей» (1960-1970 гг.) — сообщество, исследующее взаимодействие природных и промышленных материалов, появившееся как ответ на ряд общественно-политических событий, ставящих под угрозу мирное существование государства. Художники желали вырваться из оков западного влияния и создать независимое японское искусство, которое погружает в естественное состояние наблюдаемых вещей и позволяет видеть в разрозненном нечто целое. Яркий представитель направления — японский художник корейского происхождения Ли У Хван, создающий минималистские картины на традиционной бумаге ханди.
А что сейчас?
С течением времени японская живопись продолжала развиваться, а границы между «традиционным» и «новым» стирались в ней всё сильнее. Одним из толчков к этому стала Конституция 1947 года, полностью отменившая цензуру и контроль над свободой слова. Это объясняет не только возникновение художественных объединений, но и появление манги и аниме, которые прочно ассоциируются с современной японской культурой. Долгое время находящаяся в изоляции, Японская культура распространилась по всему миру и стала частью повседневной жизни многих людей.
В конце 1980-х годов формируется популярное направление «Superflat», которое придумал художник Такаси Мураками. По его словам, привычная для японского рисунка «плоскость» существует в мире господства «3D-форм». С одной стороны, японская живопись вынуждена приспосабливаться к западному влиянию, но с другой — стоит особняком и является неотделимой от национальной культуры частью. Так, классический подход к созданию художественных работ реализуется с помощью новых технологий, в частности, графического дизайна. Для картин Мураками характерны яркие цвета и милые и сатирическое образы вроде антропоморфных улыбающихся цветов и грибов. Например, в картине «ДОБ косит под дурачка» художник иронизирует над поп-культурой, изображая гротескное существо, напоминающее Микки Мауса и кота-робота из известной манги по имени Дораэмон.
Живопись современной Японии славится не только именем Мураками.
- Тихо Асима создает сюрреалистические картины, на которых изображает мифических существ, демонов и монстров на фоне гипертрофированных городских и природных пейзажей.
- Эрина Мацуи использует сюрреалистические техники для написания гиперреалистичных автопортретов.
- Хидаки Кавашима наполняет свои картины таинственными андрогинными образами, придерживаясь монохромной цветовой гаммы.
